Opinión sobre Película: Camille Claudel

Camille Claudel es un filme francés del 1988 que expone la vida y obra de la escultora que lleva el mismo nombre. La trama está basada en la biografía por Reine-Marie Paris, nieta de Paul Claudel, el poeta y diplomático.
Fue dirigida por Bruno Nuytten, protagonizada por Isabelle Adjani y Gérard Depardieu como Claudel y Rodin, respectivamente. La película fue nominada dos veces para los Premios Oscar: a la Mejor Actriz y a la Mejor Película Extranjera. Recibió cinco Premios César, entre ellos el a la Mejor Película y el a la Mejor Actriz; así como el Premio a la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
Camille Claudel es reconocida por una de las más talentadas, y sobre todo, más conocidas escultoras del sigloo XX. Fue la aprendiz del escultor más grande, Auguste Rodin, con quien tuvo una relación amorosa, pero quien nunca dejó a su esposa Rose. Después del aborto del hijo de Rodin, rompe la relación y se muda a una habitación en un sótano, en el que vive isolada del mundo entre sus momentos de inspiración - creación y destrucción de sus obras. La película termina cuando es llevada a un sanatorio psiquiátrico, gracias a sus ataques de locura y esquizofrenia.
La película trata varios tópicos propios del tiempo y espacio, así como contexto históricos, los cuales se han repetido una y otra vez a lo largo de la historia: el fin de la carrera de un individuo excepcionalmente creativo en la depresión y proceso de auto-destrucción; la relación de la relaciones „prohibidas“ y la expresión artística, como musa-amante; la falta de reconocimiento y/o oportunidades a las creaciones hechas por el género femenino y la lucha por los mismos, recurriendo a métodos poco favorables.
Los factores mencionados anteriormente se reflejan en la vida de varias mujeres que han aportado al arte internacional: Frida Kahlo, Séraphine Louis, Sylvia Plath, Susanna Kaysen, Adèle Hugo, por mencionar algunas. Mujeres de todas edades, eras, lugares y aficiones artísticas: poetas, pintoras, escritoras, escultoras... Eso demuestra que la lucha de género no ha cesado de existir, y se ha convertido en un forma muy concreta de feminismo, a veces más radical que otras. Parece que la locura y el consumo excesivo del alcohol y otras sustancias dañinas es omnipresente en las figuras creativas, quizás una consecuencia directa de la inequidad entre género.
Sin embargo, creo que ese patrón de conducta auto-destructiva se puede romper, y aún así expresarse creativamente; siempre tomando en cuenta que nadie es inferior a otro, sin importar género, nivel socio-económico, situación o contexto cultural.

Análisis de Escultura Barroca: La Verità

La Verità (La Verdad) es una escultura hecha en mármol blanco por Bernini, hoy localizada en la Galleria Borghese, Roma.
Fue creada durante un período difícil (1646-1652), en el cual Bernini fue acusado por causar problemas estructurales en San Pedro. Sin duda es la obra más personal. En su testamento, dejó la estatua a su hijo mayor.
Representa a la verdad siendo revelada por el tiempo, como alegoría una joven mujer desnuda por una figura del tiempo arriba de ella, la cual, sin embargo, nunca se hizo. Se aprecian influencias de Miguel Angel y Rubens: las formas femeninas, las partes trabajadas versus las partes no trabajadas.
La expresión facial de la joven es todo menos hiératica, sino muy expresiva, como que expresa cierta paciencia. Tiene una máscara en la mano. Representa también la representación fiel de la anatomía humana: sin excepciones, al contrario del clasicismo, en el que se buscaba el idealismo. Se evidencia una línea hacia afuera y líneas espirales, como en el ropaje colgante y el cabello.

Barroco

Ente los años 1600 a 1750, un movimiento anti-católico fue se produjo dentro de la sociedad estrictamente religiosa (-católica) europea: la Reforma Protestante. Como siempre, la situación socio-económica se refleja en el arte creado, el Barroco fue una respuesta rebuscada, detallada, elaborada a la oposición reformista.
La arquitectura barroca se caracteriza por sus líneas curvas, elipses y espirales, creando conjuntos artísticos teatrales y exhuberantes. Algunos de sus exponentes son Miguel Ángel Buanarroti (con la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma), Salomon de Brosse (Palacio de Luxemburgo en París), Philibert Le Roy, Jules Hardouin Mansart.
La escultura se evidencia en las creaciones arquitectónicas y urbanas, teniendo como motivo despertar la fe del pueblo. Se caracteriza por su representación perfecta de la figura humana, su proyección hacia afuera, ampulosidad del ropaje, la técnica del escorzo, el desnudo puro y el expresionismo. Destacan las obras de Gian Lorenzo Bernini, Alessandro Algardi, Nicolás Fumo.
La pintura llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Los exponentes más grandes son Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer. Las pinturas tienden a buscar lo teatral el color, la luzy el movimiento definen la forma pictórica. La luz adquiere mucha importancia: la técnica de claroscuro.

Francisco de Goya

Francisco de Goya, también llamado "El genio aragonés", nace en 1746 en España. A temprana edad empieza a estudiar arte, gracias a lo cual hace un viaje de un año a Italia, en donde estudia las pinturas clásicas - influencia que se aprecia en todas sus obras.
Al regresar trabaja en una fábrica de tapices, en la cual hace retratos de personas importantes. Ingresa a la Academia de Bellas Artes de San Fernando mediante su obra "Crucifixión de Cristo" y ocupa varios puestos: pintor de rey, pintor de cámara, primer pintor de cámara.
En el 1792 se enferma y como consecuencia queda sordo.
Entre sus obras y colecciones más conocidas están:
- Los Caprichos: la censura de los errores y vicios humanos, colección de grabados.
- Tauromaquia
- Disparates: series enimágmáticas, surrealistas, con un adelanto de cas 100 años
- Cartones
- La Gallina Ciega
- El Quitasol
- El Chacharreo