Proyecto Final: Juego de Mesa

Arte Conceptual

El Arte Conceptual es un movimiento artístico en el cual los conceptos e ideas involucradas en el proceso de producción tienen más importancia sobre los dogmas tradicionales de estética y el uso de material. Por lo que muchas obras de este movimiento son una instalación o performance. Algunas veces el artista conceptual modificaba o borraba una obra de arte de otro creador, dándole un significado nuevo al proceso. Tuvo su mayor auge entre 1967 y 1987.
Creo que el Arte Conceptual toma la crítica social a un nivel superior a los movimientos anteriores, tiene a su disposición elementos, técnicas y materiales, por lo que puede expresar sus ideas de una manera muy diferente, que quizás sea más atractiva para la generación actual - sobre saturada con información de todo tipo.

Pop Art

El Pop Art surge después del Expresionismo Abstracto y es fuertemente influenciado por el Dada, Surrealismo, Fernand Leger, Marcel Duchamp... En este movimiento los artistas empezaron a crear arte/diseño con objetos icónicos de la época: personas, propaganda y películas. Nace entre los 50's y 60's en Inglaterra y Estados Unidos, en el país europeo se enfocaba a la crítica social mientras que en el americano se enfocaba a la cultura del consumismo. Uno de los artistas pop más notables fue Andy Warhol, quien es famoso por sus pinturas de la lata de sopa de tomate Campbell's, retratos artísticos de Marilyn Monroy. Sus creaciones tienen un fuerte carácter religioso. Otro artista importante fue Roy Lichtenstein, creador de cómics, además readaptaba pinturas de otros artistas, como Monet, al pop art. En 1962 se expuso por primera vez el arte pop, en el Museo de Arte de Pasadena, incluyendo obras de Jim Dine, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Edward Ruscha y Wayne Thiebaud.

Minimalismo

El Minimalismo fue uno de los movimientos modernos más importantes, teniendo su origen en la República de Weimar alemana, quien se estaba recuperando de las fuertes pérdidas ocasionadas por la I Guerra Mundial. Como artes visuales se desarrolla principalmente entre 1960 y 1970 en EUA. El Minimalismo no es el movimiento más ostentoso de la historia, pero sin duda, es uno de los más populares: ha invadido todas las áreas del diseño: interfaces de usuario, hardware, automóviles, películas, videojuegos, páginas web, diseño visual...

El Minimalimo se caracteriza por su extrema austeridad y simplicidad, siempre eliminando formas, fondos y conceptos no esenciales, dejando solo lo inevitable para que el diseño cumpla con su función.

Fue influenciado por tres vertientes: el movimiento De Stijl (holandés: el estilo) (formas geométricas rectilíneas; valores y colores complementarios), las obras del arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe (materiales modernos: acero, placas de vidrio; estructuras mínimas; espacios abiertos) y el diseño tradicional japonés (simplicidad, funcionalidad, colores neutros, durabilidad, libertad de movimiento).

Hay tres frases que fungen como principios inoficiales de este movimiento:

"Menos es más". - Mies van der Rohe

"Hacer más con menos". - Buckminster Fuller

"Menos, pero mejor". - Dieter Rams.

El estudio de la percepción de las formas de la teoría Gestalt es usado mucho en la representación de elementos en esta corriente.

Algunos minimalista sobresalientes son: van der Rohe, Tadao Ando, Kazuo Shinohara, Buckminister Fuller, Dieter Rams, Gerrit Thomas Rietveld, Donald Judd, Paolo Mendes da Rocha, Dominique Perrault, Max Bill y Paul Rand.

En cuanto al creaciones arquitectónicas y de objeto, creo que los principios del minimalismo deberían de aplicarse más, para aprovechar mejor la poca cantidad de materia prima que nos queda en el planeta - y crear productos innovadores y estéticos (de acuerdo a los principios de Dieter Rams).

Expresionismo Abstracto Americano

En toda la historia del arte, los artistas de continente americano siempre habían sido fuertemente influenciados por el arte del viejo continente, no fue hasta la II Guerra Mundial, cuando lograron establecer sus propios parámetros artísticos y hacer creaciones desvinculadas de los ideales europeos. Ya que muchos artistas europeos habían emigrado al continente americano, debido a los problemas en sus países de origen, se creó una revolución cultural en el nuevo continente, los cuales dieron lugar a las artes de vanguardia americanas. Entre ellas el Expresionismo Abstracto, fundado por artistas como Rotkho, Pollock y De Kooning.

Sus obras ponían en el centro la expresión de los sentimientos del creador (antropocentrista) mediante grosores acusados, chorreados, goteos: gestualismos y campos de color. Los muralistas investigaron corrientes artísticas aborígenes, como las mexicanas: composición y formatos. Aspiraban al arte universal (fuertemente influenciados por la religión universial), estudiando el esoterismo, las ciencias ocultas y el estilo all-over. El Expresionismo Abstracto Americano se debilita entre 1953 y 1956, a la muerte de Pollock y señala el nacimiento del Pop Art.

Creo q el Expresionismo Americano fue una forma de rebelión contra las dogmas artísticas europeas, aunque en los últimos años ya se habían creado obras muy alejadas de las dogmas originales, nadie se había atrevido a llama unas gotas puestas deliberadamente sobre un plano "arte".

Un extracto del filme biográfico por Ed Harris sobre la pintura de Pollock:

Hicimos un mural sobre los principios del Expresionismo Abstracto, haciendo uso de colores primarios y secundarios:

Cubismo

El Cubismo es considerado el primer arte abstracto, desarrollado principalmente por Pablo Picasso y Georges Braque a principios del siglo XX, en un mundo que cambiaba a una velocidad jamás pensada. Era un intento de revolucionar el arte occidental, cambiando la perspectiva, que había estado presente desde el Renacimiento. Lass diferentes fases de esta vanguardia artística son:
El Cubismo Experimental: 1908-1909. El artista simplifica el volúmen y hace uso de una paleta muy reducida de colores ocres, verdes y grises.
El Cubismo Analítico: duró hasta 1912. El artista analizaba el sujeto de diferentes ángulos, reconstruyéndolo en una malla geométrica. Los diferentes fragmentos fueron unidas por una paleta limitada de color.
El Cubismo Hermético: hasta 1912. Se compleja, fragmenta y monocromatiza aún más. Se introduce el uso de formatos ovalados y letras de imprenta.
El Cubismo Sintético: hasta 1914. Para facilitar el entendimiento de las obras, Braque y Picasso introdujeron detalles esquematizados como collage, y usando más colores.
Un ánalisis artístico del retrato:


Hicimos una escultura de latas y botellas, tomando en cuenta la escultura cubista y su nueva forma de tratar los volúmenes:

Fauvismo

El Fauvismo (francés: bestias salvajes) floreció entre 1898 y 1908 en Francia. Hacía uso del color brillante y puro, aplicado directamente del contenedor al lienzo, de una manera agresiva y explosiva, descartando la función imitativa de los colores. Buscan la síntesis expresiva.
El líder del grupo fue Henri Matisse, siendo influenciado por Paul Gaguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Otros pintores del movimiento ueron André Derain y Maurice de Vlaminck.
En la siguiente liga se presenta un estudio biográfico y de las obras del pintor fauvista Henri Matisse.
http://www.henri-matisse.net/

Expresionismo Alemán

El Expresionismo es una vanguardia artística que se desarrolló entre 1905 y 1925 principalmente en Alemania, siendo contemporáneo del Post-Impresionismo y Cubismo. Es un movimiento artístico que se originó como reacción al Impresionismo, enfrentándose a la realidad negativa, a las formas y espacios tradicionales, buscando un acercamiento más fiel a la realidad. Se desarrolló en la literatura, el cine, la pintura, la música.
El Europa del inicio del Siglo XX estaba pasando por una serie de movimientos nacionalistas: Alemania, Italia, Bélgica, Grecia... Había tres grandes imperios: la URSS, el Austro-Húngaro y Turco-Otomán.
Entre los precursores del Expresionismo encontramos a Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Edvard Munch.
El movimiento se caracteriza por su intento de la representación del mundo mediante una perspectiva subjetiva y una distorsión radical, buscando un efecto emocional, y no una realidad física.
El movimiento se desarrolla en dos comunidades:
Die Brücke (alemán para El Puente), se funda en Dresden, 1905. Se caracteriza por su fuerte oposición al Impresionismo Alemán con una actitud revolucionaria, haciendo creaciones de realidad ruda, sin buscar la belleza ni la armonía. Reproduce principalmente lo contradictorio, desagradable, el malestar social y económico. Hace uso de coloridos intensos y fuertes pinceladas. Se disuelve en 1913. Entre sus figuras destacan Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Erich Heckel, Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff.
Der Blaue Reiter (alemán para El Jinete Azul), se funda en Munch, 1911. Hace uso de una dirección no figurativa al realismo y racionalismo cubista, desarrollando la abstracción. Tiende al simbolismo y la espiritualidad, buscando la armonía del color y las formas. Entre ellos destacan Wassili Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Paul Klee.
Los expresionistas fueron llamados "degenerados" por los nazis alemanes, quemando muchas de sus obras. Cabe mencionar que el grabado en madera tuvo un auge muy importante en esta época, fuertemente influenciado por Albert Dürer.

Hicimos una presentación para una exposición sobre el tema, junto con el guión en el enlace:

http://public.iwork.com/document/?a=p1178097137&d=Apuntes_Expresionismo_Alema%CC%81n.pages
Para eso escogimos una serie de preguntas:
1. Menciona la situación política del Europa a principios del siglo XX.
2. Menciona 3 precursores del Expresionismo.
3. Cómo fue llamado el arte expresionista por los nazis alemanes?
4. Describe las características esenciales del Expresionismo.
5. En que se diferencia el arte del grupo Die Brücke del arte de Der Blaue Reiter?
6. Menciona 3 artistas expresionistas.
Arnold Schoenberg es uno de los compositores expresionistas más sobresalientes:

Reproducimos una obra de Kandinsky:

Art Deco

El Art Deco empezó en Europa, particularmente en París, de dónde se difundió a América. Esta última manifestación de las artes decorativas tiene sus inicios en los primeros años del Siglo XX, sin embargo, no se expandió hasta después de la I Guerra Mundial, logrando mantener su status hasta después de la II Guerra Mundial.
Está fuertemente influenciado por el Art Nouveau, el Cubismo y el estilo del Hollywood en sus primeros años. Toma los motivos naturales del primero, pero descarta las formas orgánicas y colores pasteles y las reemplaza por materiales más toscos, negros y cromos. Pintores como Picasso experimentaban con espacios, ángulos y formas geométricas, de ahí el Art Deco hace uso de una nueva forma de abstracción. Las primeras películas americanas reflejaban el glamour: textiles brillosos, luces y espejos.
El tiempo entre guerras fue marcado por los viajes (el hundimiento del Titanic), la expansión colonial en el Medio Oriente y África, así como grandes descubrimientos arqueológicos (el descubrimiento de la tumba de Tutankhamun), cambios económicos drásticos (la Gran Depresión del '29), la racionalización y falta de productos, el inicio del feminismo, la construcción el Empire Building.
Los productos del Art Deco no sólo eran alcanzables para la élite, gracias a la producción masiva, todos tenían acceso a objetos inspirados en safaris africanas, pirámides y esfinges egipcias.
En el mobiliario, que pasó a ser cómodo y equilibrado, destaca el de Eileen Gray; Raymond Templier creaba joyería, Clarice Cliff cerámicos y René Lalique en objetos de vidrio.
También fue la época en la que se consolidó el diseño gráfico, tomando como base los nuevos conocimientos de la comunicación visual se establecieron las primeras agencias de publicidad. Además surge la piratería, lo que provoca una nueva legislación de patentes y propiedad intelectual.
El Art Deco constituyó un paso muy importante del mundo hacia la contemporaneidad: se rompieron con muchas reglas y costumbres y se introdujeron nuevas. Creo que sobre todo para la mujer fue una época en la cual adquirió más derechos y beneficios, como lo vimos en la película Coco Avant Chanel. Además fue la época en la que las personas de origen africano empezaron a recibir reconocimiento en la cultura occidental, sobre todo por el auge del jazz den Nueva York y Nueva Orleans.

Una pequeña introducción a la arquitectura y el diseño industrial de la época:

Art Deco from Travis Klausmeier on Vimeo.

Tamara Lempicka fue descubierta mucho después, sin embargo es una muy buena representante del Art Deco, aquí se presentan algunas obras, acompañadas por una melodía típica afro-americana:

Creé un diseño textil basado en tres eventos que dieron lugar durante la época del Art Deco: el descubrimiento de la tumba de Tutankhamun, la construcción del Empire State Building y la carrera artística de la alemana Marlene Dietrich en EUA, después del comienzo de la política nazi:

Neoplasticismo y De Stijl

El neoplasticismo es una doctrina estética que surge en el 1917 en los Países Bajos, es fundada por Piet Mondrian. Inspirado por las obras de Mondrian, el pintor, diseñador, escritor y crítico Theo van Doesburg, funda después la escuela denominada De Stijl, lo que significa "el estilo".

El Neoplasticismo busca expresar una armonía espiritual y el orden, por medio de la abstracción pura y universal, reduciendo las formas y colores a la geometría básica y los colores primarios, blancos y negros. Asíformando composiciones visuales en direcciones horizontales o verticales, las cuales están sometidas a una planeación racionalista, logrando el equilibrio mediante el acomodo de colores y formas, más nunca por medio de la simetría.

El fin último de este movimiento es la representación total de lo que es realidad; así como la naturaleza, que pesar de cambios y caprichos, tiene una regularidad absoluta.

El Neoplasticismo logró una abstracción estupenda, logrando que casi todo que está hecho basándose en sus principios tiene un aspecto muy atractivo para el ojo humano. En lo personal, es uno de mis movimientos favoritos, ya que expresa algo que se verá bien en todos los tiempos, sin perder su poder visual.

Una narración (en inglés) que explica de lo que se trata el Neoclasicismo:

El siguiente videoclip muestra las tres obras más conocidas de este movimiento:

De Stijl from Yeuk Au on Vimeo.

En apoyo a este tema hicimos una exposición, para la cual se hizo la siguiente presentación:

Constructivismo Ruso

El Constructivismo Ruso es un movimiento artístico y arquitectónico que surge en Rusia en 1914, después de la Revolución de Octubre, es decir, la primera revolución bolchevique contra el gobierno de Lenin; después de la cual se empezó la construcción de la URSS. Surge del Futurismo Ruso (Suprematismo) como movimiento opositorio al arte autónomo. Busca una justificación social y una forma de arte en la edad industrializada.
Se caracteriza por una abstracción total haciendo uso de figuras geométricas, por lo que es conocido como el arte del orden. Procura sanar un pasado histórico teñido de guerras globales y llevar el mundo a unidad y entendimiento. En su realización prevalece el contenido sobre la forma.
En muchas obras encontramos el sentido de tri-dimensionalidad, por lo que destaca la escultura, la arquitectura y el diseño industrial, haciendo uso de materiales modernos y línea puras. Además cada creación tenía una justificación social, debía servir como didáctica para el pueblo.
Esto se refleja sobre todo en la maqueta de la torre para el Tercer Internacional, propuesta por Vladimir Tatlin, pero nunca fue construida por falta de recursos.
Entre los personajes más importantes de este movimiento, del cual lamentablemente se tiene poca información gráfica, destacan:
Vladimir Tatlin, el fundador que estudió arte en Moscú y fue músico profesional (tocó en la Feria del Mundo en Paris en 1906). Su obra más importante es el monumento antes mencionado. Influenció a todos los constructivistas después de el.
El Lissitzky (Lazar Markovich), artista, diseñador, fotógrafo, tipógrafo, polemicista, arquitecto y profesor.
Kazimir Malevich, pintor y teorético del arte quien originó el movimiento suprematista.
Alexander Rodchenko, artista, escultor y fotógrafo, fundador del movimiento. Gracias a una de sus obras de fotomontaje se le dio el nombre "Constructivismo".
Aleksandra Exter, pintora y diseñadora ruso-francesa, fuertemente inspirada por Pablo Picasso y Georges Braque.
Lyubov Popova, artista, pintora y renombrada en el área de diseño textil y de modas.
Naum Gabo, pionero del arte kinético. Autor y editor del Realistic Manifesto, en el que postula los principios del Constructivismo Ruso.
Gracias a los movimientos sociales en las que floreció este movimiento, cuenta con particularidades no encontradas en movimientos de otros lugares: es fuertemente inspirado en la rebeldía, el socialismo, la utopía; sin embargo, en la mayoría de las obras se refleja que es el arte/diseño de la clase de pocos recursos. Es muy lamentable que no existe más evidencia bibliográfica del Constructivismo Ruso a disposición del mundo, seguramente podría aprender innumerables cosas de el, entre las que destaca lo mucho que se puede hacer con pocos recursos.
Los siguientes vídeos nos dan una pequeña introducción en en Vanguardismo Ruso, exponiendo las obras de Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko:

Architecture and the Russian Avant-garde Part 2 (Tatlin's Tower) from Copernicus Films on Vimeo.

Alexander Rodchenko and the Russian Avant-garde from Copernicus Films on Vimeo.

Este tema fue expuesto, para el cual se usó la siguiente presentación:

Bauhaus, Vkhutemas y la Escuela de Chicago

Staatliches Bauhaus fue una escuela que combinaba artes y enseñanza técnica en la república de Weimar. Se originó del avance técnico de Alemania, formando en 1907 el Deutscher Werkbund, el cual constituye la base para el diseño industrial moderno, que para 1912 ya expuso 1000 diseños. Después Peter Behrens funda la AEG, en donde se combinaba el arte y la técnica, convirtiéndose en el primer diseñador industrial profesional. La escuela de Bauhaus (que significa casa de construcción) fue fundada por Walter Groupius, de la cual fue director por un tiempo, después estuvo bajo la dirección de Hannes Meyer y Ludwig Mies van der Rohe, hasta 1933 cuando fue cerrada por la presión del régimen nazi.
La Bauhaus fue el origen del Modernismo. Introdujo el uso de retícula, la abstracción a formas geométricas básicas y el uso de colores primarios. En ella miles de estudiantes recibieron una formación en el Vorkurs, diseñado por Johannes Itten, para después especializarse y crear una gran cantidad de objetos que destacaban por su simplicidad en la forma y calidad de manufactura. Richard Riemerschmid construyó una máquina para la producción de muebles, Joseph Olbrich las bases del Opel, Walter Maria Kersting un radio moldeado en plástico (la base para el Volksempfänger de Hitler) y Ferdinand Porsche el Volkswagen, para el cual recibió el Premio Alemán.
Mientras tanto, en Rusia se formaba una escuela basada en los principios de la Bauhaus: Vkhutemas, en la cual enseñaban personajes como Anatoli Lenacharsky, Vladimir Tatlin, El Lissitzky y Alexander Rodchenko; fundando las bases del Constructivismo Ruso. Fue cerrada al llegar Stalin al poder en 1937 De esa escuela se tiene poca información, se hablará de ella en la siguiente entrada.
Cuando Hitler cerró las Bauhaus, y Stalin la escuela rusa, muchos de sus docentes se mudaron a Estados Unidos, fundando la escuela de Chicago. Bajo los estudios de Charles Eames se sentaron las bases de la ergonomía, Raymond Loewy hizo miles de diseños... Hoy la escuela fundada por los Bauhaus es el IIT.
Definitivamente, si no hubiera sido por la Bauhaus, el diseño y la arquitectura, como hoy la conocemos, no existiría. Gracias a grandes pensadores, quienes supieron hacer creaciones abstractas, sin perder el mensaje que se quiere comunicar, hoy existen muchos avances en todas las áreas de creatividad industrial.
Algo que me pareció muy interesante, fue la construcción de la Ciudad Blanca en Tel Aviv, la ciudad más grande de arquitectura moderna que ha sobrevivido, que fue hecha por arquitectos judío-alemanes, que huyeron después de las primeras amenazas de Hitler.
En el siguiente video se cuenta la historia de la Bauhaus a través de una animación:

Bauhaus from Robert Wojciechowski on Vimeo.
Aquí se presenta el edificio de la Bauhaus en Dessau, planeado por Walter Gropius:

La base del diseño y la arquitectura moderna es el módulo, con módulos de cartón creamos una maqueta para el mobiliario interior de una casa:

Marianne Brandt, una de las pocas mujeres del movimiento, quien creó numerosos objetos industriales, es el tema de la siguiente presentación, hecha por mi para la clase:

Surrealismo

El Surrealismo se originó entre 1910 y 1920 como un movimiento literario del Automatismo, que buscaba abrir la imaginación ilimitada del subconsciente. Fue fundada oficialmente por André Breton. La Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de Sueños por Sigmund Freud estaban conquistando el mundo, debilitando las creencias de las grandes masas y plantando dudas.
Entre sus exponentes están Giuseppe Arcimboldo, Giorgio Chirico (pintura megafísica), Paolo Cucellio, René Magritte (quien introdujo los elementos fuera de lugar) y Salvador Dalí. Las obras de este último eran fuertemente eróticas, resaltando y repitiendo los artributos sexuales, anamórficas y presentaban un fuerte simbolismo, frecuentemente de doble sentido así como religiosas.
En su auge, el Surrealismo fue rechazado numerosas veces por una sociedad todavía fuertemente apegada a la religión. Años después de su establecimiento formal, sus bases fueron retomados por varios artistas mexicanos, quienes formaron el Realismo Mágico. Es decir, adaptaron la realidad mexicana y los acontecimientos socio-político-culturales, dando lugar a creaciones que parecen llevar al espectador a la escena de un sueño imposible, pero cargado del simbolismo. Entre estos destacan Manuel Álvarez Bravo y Frida Kahlo, por mencionar algunos. Creo que es el movimiento que más influenció a los artistas mexicanos, o quizás el que mejor supieron interpretar y hacerlo suyo.
Enseguida se muestran varias obras de Salvador Dalí, uno de los hombres menos entendidos del mundo:

Salvador Dali from EmCSpiteri on Vimeo.
La importancia de los sueños se refleja también en la obra Arcana por Edgar Varèse, quien afirmó haber soñado con esa secuencia musical:

En apoyo al tema, se hizo un póster con recortes de revistas, que se presenta a continuación:

Dadaísmo

El movimiento Dada/Dadaísmo (la palabra infantil para caballo) era un movimiento nihilista que se hizo presente en Francia, Suiza y Alemania entre 1916 y 1920. Se basaba en los principios de irracionalidad deliberada, anarquía, cinismo y la contraposición a las reglas de la belleza y organización social.
Surge en un mundo caótico: la I Guerra Mundial empezó en 1914, y pronto todos los países atacaban uno a otro. Un grupo de artistas, que se juntaba en el Cabaret Voltaire en Zurich, compilaba creaciones antiestéticas en protesta a las actividades bélicas.
El movimiento Dada se inició como anti-arte, atacando los estándares de las culturas civilizadas, que apesar de religión cristiana, museos, universidades y demás, se comportaban como bárbaros.
Tristan Tzara, un autor, empezó el movimiento en el género literario, plasmando en sus obras un fuerte contenido político; pronto fue redactado el Manifesto Dada (1918), provocando escándalos en Europa y después en América. Algunos de sus exponentes son: Hans Arp, Marcel Duchamp (La novia inalcanzable, Armory Show) y Francis Picabia (Máquina sexual).
No sé si los creadores Dada estuvieron realmente conscientes sobre lo que pasaba en la sociedad después de haber visto sus obras, sin embargo, causaron un gran impacto, sobre todo por que el arte Dada invitaba al espectador a reflexionar sobre el significado de la obra, y sacar sus propias conclusiones.
En la siguiente composición, escuchamos de la voz Tristan Tzara sobre la transición del Surrealismo al Dada:

Una de las obras más conocidas de Duchamp es Fountain:

'Fountain' by Marcel Duchamp from National Galleries of Scotland on Vimeo.

Póster hecho de acuerdo con la temática con recortes de revistas y juguetes infantiles:

Vídeo hecho para la clase, como tema una entrevista al artista asociado con el Surrealismo y el Dadaísmo, Marcel Duchamp:

Marcel Duchamp, el hombre más inteligente del Siglo XX según André Breton, influenció una gran cantidad de artistas, diseñadores, fotógrafos, como Arman, Christo, Michael Craig-Marin, Salvador Dalí, Richard Hamiliton, Jean Man Ray, Andy Warhol, por mencionar algunos. Al principio de su carrera fue pintor, sin embargo, abandonó la pintura ya que no le servía para expresar sus pensamientos más profundos, y se le habían acabado las ideas. Fue conocido por las obras escandalosas y rechazadas por organizadores de exposición, llegando a ser destrozadas. Sus obras ready-made reflejan, sobre todo, las decisiones que toma el artista, sin hacer uso de la técnica en sí. Afirma que una obra sobrevive el tiempo que el público esté interesado en el, pero que eso ya no se relaciona en ninguna forma con el artista; además opina que las obras más conocidas no necesariamente son las mejores. Contradice los dogmas del arte, diciendo que „belleza“ y „verdad‘ son conceptos muy débiles y alejados de la realidad, que no se pueden expresar mediante el lenguaje visual. Aunque rechaza la idea de escuelas, como el dadaísmo y el surrealismo, a los cuales ha sido relacionado muchas veces, declara que sin esas sus obras no hubieran sido posibles. El artista expresa su propia realidad, pasada en un mismo fundamento que comparte con otros, pero para ser mejor o diferente, tiene que sobresalir solo. Expresa su interés en el Pop-Art, ya que según el hace uso de técnicas diferentes y originales, no como los otros -ismos, que eran distorsiones del impresionismo. También comenta que mediante su arte creó obras sobre su forma de entender la vida.
Creo Marcel Duchamp tuvo una gran influencia sobre el mundo del arte y el diseño, debido a su forma radicalmente opuesta a todas las dogmas y reglas de su época. El diseño nunca hubiera tenido tanto auge ni desarrollo si no hubiera sido por sus obras y su gran esfuerzo de representar su propia realidad. Me gusta que no se deja encajar en una escuela concreta, ya que cree en sus propias habilidades y formas de expresarse.
Muchas de sus aclaraciones y expresiones sobre la vida han marcado la forma de ver la realidad de las personas del Siglo XX y XXI. Aunque sus obras tienen temáticas escandalosas y fueron rechazadas muchas veces, a partir de el, los artistas y diseñadores empezaron a hablar y crear alrededor de temas tabú.

Futurismo

El Futurismo empezó como movimiento italiano (después tomó un curso muy diferente en Rusia), siendo lo que tenían los dos países en común, el fascismo: el heroísmo, el nacionalismo, el patriotismo y el idealismo.
Partía de los principios de Cubismo sintético y procuraba una renovación total de la cultura y el deporte; enfocándose en las generaciones jóvenes, el movimiento dinámico y las escenas de la vida industrial.
Exaltaba la poesía en el arte: las palabras puestas en libertad, plasmadas visualmente.
Algunos de sus exponentes son: Delaunay, Duchamp, Luigi Russoso (El Perfume), Fillippo Rommaso Marinetti, Giacomo Balla y Huberto Boccionno.
De todos los movimientos vanguardistas, es el que tuvo más influencia sobre otros, es decir, se puede considerar como el padre de las demás vanguardias.
En el siguientes videoclips se analiza como el Futurismo tiene influencias en la era contemporánea: en el primero la relación entre el Cyperpunk y el Futurismo literario y en el segundo se nota claramente la similitud entre la música industrial y el Futurismo musical:

Art Nouveau

El Art Nouveau (francés arte nuevo) puede ser considerado como el primer estilo moderno del Siglo XX, siendo la primera corriente artística que dejó que buscar su inspiración en el pasado histórico, y tomar elementos naturales como su motivo temático.
Surgió como manifestación opositiva a la pérdida de la estética y la expresión artística, gracias a la automatización de los procesos productivos que permitieron los avances tecnológicos de la Revolución Industrial.
Cuando fue primeramente expuesto en París, y luego en Londres, los expectadores odiaban la nueva forma de expresión o la amaban.
El Art Nouveau se manifestó en dos corrientes principales: la de las líneas curvas y la de las líneas más rectilíneas. Las líneas de las dos corrientes son largas y sinuosas, dividiendo la composición verticalmente y añade altura al formato tradicional. Frecuentemente se presentan flores estilizadas, hojas, raíces y semillas; así como la figura femenina en pose pre-Rafaelita, con cabello largo flotante. Frecuentemente hay elementos de maderas exóticas, vidrios, plata y piedras semipreciosas.
El movimiento tiene sus influencias principalmente del Arts & Crafts, las dos corrientes creyendo en la calidad y el trabajo artesanal, sin embargo el Art Nouveau aceptaba la manufactura masiva. Además se reflejan elementos de abundancia del Rococó francés, con un abstraccionismo más refinado, y la investigación botánica.
Los exponentes más importantes del Art Nouveau son: el arquitecto y diseñador de mobiliario y joyería Charles Rennie Mackintosh, el artista gráfico Alphonse Mucha, la ilustradora Aubrey Beardsley, el diseñador de lámparas y fundador de la compañía del mismo nombre Louis Comfort Tiffany, René Lalique, especializado en vidrios y joyería, Emile Galle, en cerámicas, vidrios y mobiliario, y sobre todo, el arquitecto Victor Horta.
En pocos movimientos artísticos se refleja tanto la influencia oriental, como se puede detectar la presencia de la composición asimétrica y el uso de color presente en las estampas japonesas. Para su tiempo de auge, fue un aspecto muy importante: significaba que el Medio Oriente dejaba de funcionar como territorio de especias, de cultura menospreciada. Una cultura, el arte, la humanidad, los valores siempre sacarán provecho si una unión cultura como esas es aplicada correctamente.
Tiffany Co. es uno de los legados más importantes que nos ha dejado el Art Nouveau:

Tiffany and Art Nouveau from MBAM on Vimeo.

Video musical que hace uso de los elementos gráficos del Art Nouveau:

Art Nouveau Motion Graphics Video from Jennifer Liu on Vimeo.

En apoyo a la temática del Art Nouveau creamos un libro interactivo enfocado a niños 12 años en adelante, en el cual el usuario usará una "lámpara" para descubrir los detalles del Art Nouveau Gráfico, junto con pequeños enunciados con respecto a la historia de dicho movimiento:

Arts & Crafts Movement

El movimiento de Arts & Crafts (inglés artes y oficios) fue iniciado por un grupo de diseñadores y escritores ingleses que deseaban volver a los productos de buena calidad, trabajados artesanalmente, en vez de los objetos de producción masiva. Fueron inspirados por principios socialistas (Charles Dickens publica Great Expectations en 1861; Karl Marx, Capital en 1867), siendo su líder William Morris, quien propugnaba el sistema medieval de trueque, haciendo acuerdos con empresas para la fabricación y venta de sus bienes producidos. Desafortunadamente, tuvo el efecto adverso de tener precios de manufactura, y por lo tanto, de venta muy altos, que podían ser adquiridos por un grupo muy pequeño de consumidores.
Visualmente, tiene muchos elementos en común con su corriente contemporánea, el Art Nouveau.
Su estilo se caracterizaba por formas simples con pocos elementos ornamentales, haciendo uso de la belleza natural de los materiales, haciendo uso del cobre forjado. Frecuentemente usaba flores estilizadas, alegorías de la Biblia y la literatura, corazones y motivos celtas.
Es fuertemente influenciada por el estilo medieval, reviviendo principalmente los elementos góticos. Como ya se mencionó, el ague de las ideas socialistas, especialmente las de John Ruskin y Karl Marx, constituyó la base de su ideología, proclamando los efectos dehumanizantes de la industrialización, en el que mujeres y niños pequeños tenía que trabajar árduamente para poder comer.
Destacan nombres como William Morris (fundador de Morris & Co, que producía mobiliario, textiles, papeles decorativos y joyería), William de Morgan (vidrios, azulejos y vasijas), CFA Voysey y el arquitecto Richard Norman Shaw.
Aunque el movimiento estaba basado en muy buenas bases ideológicas (aunque utópicas e idealistas) y no pudo funcionar como tal, sus ideas y obras ayudaron a retomar la teoría estética, y aplicarla en las siguientes generaciones a la producción masiva.
Un pequeño análisis del Arts & Crafts en Inglaterra:

Vida y obra del fundador del Arts & Crafts, William Morris:

La Revolución Industrial

La Revolución Industrial inició con el invento de la máquina de vapor por James Watt. Sin embargo, los primeros eventos tomaron lugar desde el Siglo XVI, con el aumento de la industria lanera, gracias al invento de la máquina de telar. A partir de entonces, la industria tuvo un gran desarrollo entre los Siglos XVIII y XIX en Inglaterra. Consecutivamente, grandes masas de población rural migraba hacia las ciudades aglomeradas, en búsqueda de trabajo en las nuevas maquillas, las que prometían una mejor vida. Sin embargo, ocupaban los barrios más pobres, sin los servicios más básicos, trabajando en condiciones inhumanas jornadas muy largas para poder sobrevivir.
A partir de la máquina de vapor, que permitía la aplicación de fuerza casi ilimitada, la cual fue aplicada en las minas, el ferrocarril, el barco a vapor... Gracias al invento del foco por Thomas Edison, se implementó el alumbrado público; el telégrafo, gracias a Samuel Morse. Innumerables avances tecnológicos y científicos mejoraron la calidad de vida - de quienes podían pagar por ella.
Sin embargo, la búsqueda de mayores producciones a precios más bajos, y la implementación de materiales nuevos, como el hierro, tuvieron como consecuencia la desaparición de la estética, el arte y la producción artesanal - los productos bajan de calidad y valor.
En 1851 se hizo una exposición de los avances tecnológicos llamada la Gran Exposición, en el palacio de cristal en Londres, en la que los países primer mundistas exponían sus obras, técnicas e inventos.
A pesar de los miles de aportaciones positivas que tuvo la Revolución Industrial, creo q en su época empezó del degradado de los valores éticos y morales, ya que la sociedad adoptó ideologías demasiado pragmáticas, olvidándose del humanismo. Ese fenómeno es muy bien narrado en la obra de Franz Kafka.
En el siguiente video se narran algunos de los aspectos más importantes de la Revolución Industrial:

Los niños eran los que más sufrían bajo las condiciones inhumanas que trajo consigo la Revolución Industrial:

Hicimos una línea de tiempo usando los eventos más importantes y su impacto social de la Revolución Industrial:

El Impresionismo

En el Siglo XIX, se renovó y modernizó la ciudad de París; la población francesa aumentó considerablemente y la Revolución Industrial hizo cambiar la vida social, el comercio y el transporte. En cuanto a la ideología aparecieron nuevas teorías sobre la razón y el utilitarismo. El arte en Francia era expuesto en el Salon, con bases tradicionales del Academismo, la única forma de recibir reconocimiento y remuneración a cambio de las obras artísticas. Principalmente plasmaba escenas históricas, mitológicas o religiosas, con colores ricos y sombras oscuras. Se componía a base del teatralismo, con un enfoque central y pinceladas suaves y superficies acabadas.
Los artistas del Impresionismo representaban la primera impresión de escenas cotidianas y de la naturaleza, haciendo uso de colores luminosos, vibrantes y yuxtapuestos sobre el lienzo, creando encuadres audaces y asiméticos. Lo más característico es la pincelada rápida y espontánea, así como el estudio de la luz y los reflejos en el agua.
El término Impresionismo proviene de una obra de Claude Monet llamada Impresion.
Por primera vez en la historia se empezaron a usar los contraste complementarios, y gracias a la fotografía y la inspiración de Hokusai, los encuadres inusuales.
Los exponentes más importantes son Claude Monet, Jean Baptiste Camille Corot, Eugene Boudin, Johan Jungkind, Edouart Manet, Pierre-Auguste Renoir yEdgar Degas...
Una de las aportaciones más importantes del Impresionismo al diseño, es el estudio de la luz y la teoría del color; también el inicio de la abstracción de la forma, hacia algo más simple - perfeccionado por los modernistas.
Discusión de grandes impresionistas:

Impressionism - 'en plein air' from National Galleries of Scotland on Vimeo.

Van Gogh es uno de mis artistas favoritos del Impresionismo, animación hecha con una de sus obras:

Starry Night (interactive animation) from Petros Vrellis on Vimeo.
Un collage hecho con recortes de revistas, para el tema del Impresionismo: